THE RENAISSANCE (1450-1600) — The Renaissance began in Italy in the 15th century and spread throughout Europe until the end of the 16th century. This was the age of Humanism: human beings, with their dignity and reason, became the centre of thought. The Middle Ages came to an end, regional Italian states emerged, geographical discoveries and trade increased, and the invention of printing (around 1450) also allowed printed music to circulate. Until then, music had been copied by hand. CULTURAL CONTEXT — Renaissance courts (Firenze, Ferrara, Mantova, Urbino) and the large musical establishments of churches supported musicians. Art, beauty, harmony and proportion were valued: music was expected to be clear, balanced and expressive, just like Bramante's architecture or Raffaello's paintings. CHARACTERISTICS OF THE MUSIC — VOCAL music predominated. Renaissance polyphony combines several independent voice parts that nevertheless blend together in a very balanced way. Texts were in Latin in sacred music and in the everyday language (Italian) in secular music. Music theory also developed, and notation was refined. MUSICAL GENRES — The POLYPHONIC MASS was the most important sacred form (e.g. Missa Papae Marcelli). The MADRIGAL is a song for several voices set to a poem, and was the most characteristic form of the period. The CANZONE VILLANESCA is a song in the everyday language, often about love and in a popular style. The FROTTOLA is light and lively. TANZEN, or instrumental dances (e.g. the pavane and galliard), are instrumental pieces in several parts. MAIN COMPOSERS — Giovanni Pierluigi da Palestrina (master of sacred polyphony), Orlando di Lasso, Josquin des Prez, Claudio Monteverdi (who would pave the way for the Baroque) and Giovanni Gabrieli, famous for his music for separated choirs at San Marco in Venice. INSTRUMENTS OF THE PERIOD — Lute (a plucked string instrument very popular at court), viola da gamba (a bowed instrument held between the legs), recorder, harpsichord (a keyboard instrument with plucked strings) and cornett (a wind instrument with a sound similar to the human voice).

THE BAROQUE (1600-1700) — The 17th century was the century of absolute monarchy, the great European courts (Versailles, Vienna, London, Rome) and artistic splendour. Music became a means of displaying power and expressing emotion. The term 'baroque' originally meant 'irregular pearl' and described a rich, lavish and extravagant style. HISTORICAL AND CULTURAL CONTEXT — The public opera house emerged (Venice, 1637): for the first time, anyone who paid for a ticket could attend a musical performance. The Church promoted music to celebrate faith and worship; academies, theatres and concert halls were established. The Baroque artistic style, full of movement, decoration and exuberance, flourished. CHARACTERISTICS OF THE MUSIC — The guiding principle was CONTRAST: forte/piano, light/shadow, joy/sorrow, soloist/orchestra. Expressiveness and the theory of the affections, which linked music to emotions, were very important. BASSO CONTINUO (harpsichord or organ plus cello or bassoon) was the harmonic foundation of almost every piece. Polyphony and melody existed side by side, and composers and performers aimed for impressive instrumental and vocal skill. MUSICAL GENRES — OPERA (the birth of opera theatre, L'Orfeo by Monteverdi, 1607); the CONCERTO GROSSO, a dialogue between a small group of soloists (concertino) and the orchestra (ripieno); the FUGUE, a polyphonic form based on imitation of a theme; the CANTATA for voice and instruments, using sacred or secular texts; the ORATORIO, a sacred opera without scenery or costumes (e.g. Messiah by Händel). MAIN COMPOSERS — Claudio Monteverdi, Antonio Vivaldi, Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel and Arcangelo Corelli. INSTRUMENTS OF THE PERIOD — Violin (the leading instrument, with the great instrument makers Amati, Stradivari and Guarneri), viola da gamba, oboe, Baroque trumpet (without valves), harpsichord and organ, a majestic instrument at the heart of religious music.

THE LATE BAROQUE (1700-1760) — This was the period of transition between the Baroque and the Classical period. Music became clearer, lighter and more expressive, focusing on emotion and beauty of form: this was the century of grace and refinement. HISTORICAL AND CULTURAL CONTEXT — The age of the great courts of absolute monarchs came to an end, and the urban middle class grew. Its members wanted to listen to music, leading to the emergence of the PUBLIC CONCERT with paid admission. The Enlightenment promoted education, science and the arts; encyclopedias, academies and cultural salons emerged, and a taste for elegance and restraint became established. CHARACTERISTICS OF THE MUSIC — Melodies became more songlike, and harmonies clearer and simpler; expressiveness and personal feeling became more important; musical forms became more clearly defined and symmetrical; dynamics became more contrasting (piano/forte), partly thanks to new instruments; instrumental music became increasingly important. MUSICAL GENRES — The SOLO CONCERTO, in which a soloist has a musical dialogue with the orchestra (Le quattro stagioni by Vivaldi); the SONATA for a solo instrument or several instruments; the SUITE, a collection of dances in a set order; the ORATORIO, a sacred performance without scenery; OPERA SERIA and the new OPERA BUFFA, which brought new life to opera with ordinary characters and comic situations (La serva padrona by Pergolesi, 1733). MAIN COMPOSERS — Antonio Vivaldi (1678-1741), Domenico Scarlatti (1685-1757), Georg Friedrich Händel (1685-1759), Johann Sebastian Bach (1685-1750) and Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736). INSTRUMENTS OF THE PERIOD — Violin, lute, harpsichord (the basis of basso continuo), transverse flute (lighter and more flexible than the recorder), oboe and natural horn, used in hunts and ceremonies. During these years, Bartolomeo Cristofori invented the piano.

A BRIDGE BETWEEN TWO ERAS — Between the late eighteenth century and the early decades of the nineteenth century, music goes through a decisive transition: alongside the balance and clarity of Classicism, a more intense and personal expression develops, paving the way for Romanticism. Ludwig van Beethoven is the central figure in this transition: in this section, we meet him through Inno alla gioia, which became the European anthem, and through his words about suffering and deafness in the Heiligenstadt Testament. BEETHOVEN BETWEEN CLASSICISM AND ROMANTICISM — Ludwig van Beethoven was born in Bonn in 1770 and died in Vienna in 1827. A pianist and composer, he developed the forms used by Haydn and Mozart, making them broader, more intense and more personal. His nine symphonies, piano sonatas and quartets connect Classical balance with Romantic sensitivity. The Ninth belongs to his mature years: we study it here to complete our portrait of the composer, even though it was performed in 1824, beyond the approximate dates of the Classical period. INNO ALLA GIOIA — In the fourth movement of the Nona Sinfonia, first performed in Vienna on 7 May 1824, Beethoven introduces soloists and a chorus alongside the orchestra and sets Friedrich Schiller's verses to music. The theme is songlike, moves mainly by step from one note to the next, and returns with different instruments and levels of intensity: it grows from the low strings until the voices join in. Its message is fellowship among all human beings. THE EUROPEAN ANTHEM — The Council of Europe adopted this melody in 1972; the heads of state and government of the European Community, now the European Union, adopted it in 1985. The European anthem uses only the music: it has no official words, it is not the entire choral finale of the Ninth, and it does not replace national anthems. A melody without words can unite people who speak different languages and represent freedom, peace and solidarity. Listen to the European anthem and read the European Union's information. THE HEILIGENSTADT TESTAMENT — On 6 October 1802, with an addition on 10 October, Beethoven wrote his brothers a letter that remained among his papers until his death. He describes the pain of gradually losing his hearing, his isolation and his fear of being seen as unfriendly. He reveals a deep crisis, but finds a reason to keep living in his art and the works he has yet to create. The Testament encourages us to understand what a person is feeling before judging their behaviour. Find out more with the Beethoven-Haus (in English). DEAFNESS, DIGNITY AND PARTICIPATION — Beethoven continued to compose using his skills, musical memory and ability to imagine sounds; in later years, he also used conversation notebooks to help him communicate. His deafness did not disappear: his worth does not depend on having “overcome” his disability. Today, inclusion means reducing barriers, respecting individual needs and enabling everyone to participate, using written texts, subtitles and visual signals when helpful. You do not have to become a genius to have the right to dignity and accessibility. Monographs — Beethoven: joy that includes everyone, music and citizenship activities. Listen to the theme, read thoughts from the Testament and make a short class agreement on peace, solidarity and inclusion.

IL ROMANTICISMO (1800-1900) — Il Romanticismo si sviluppa in Europa nella prima metà dell'Ottocento e si prolunga fino al primo Novecento. È un'epoca di grandi cambiamenti politici, sociali e culturali: rivoluzione industriale e nuove città, nazionalismi e lotte per l'indipendenza, nascita della borghesia e del pubblico dei concerti, grandi scoperte scientifiche. CONTESTO CULTURALE — Si esaltano il sentimento e l'immaginazione; cresce l'interesse per la natura, il sogno, il mistero e il passato; nascono il romanzo storico e il melodramma romantico; la pittura racconta paesaggi ed emozioni. La musica diventa il linguaggio dell'anima.

CARATTERISTICHE DELLA MUSICA — Melodia ampia, espressiva e cantabile; armonia ricca con modulazioni frequenti; dinamiche estreme dal pianissimo al fortissimo; forma libera e sviluppo tematico; PROGRAMMATICITÀ, cioè la musica racconta idee, immagini e storie; grande virtuosismo strumentale. GENERI MUSICALI — SINFONIA per grande orchestra; POEMA SINFONICO, che descrive un racconto o un'idea (Les Préludes di Liszt); CONCERTO SOLISTICO; MELODRAMMA, opera lirica dai temi drammatici e passionali (La Traviata di Verdi); LIED e ROMANZA, canzoni per voce e pianoforte (Erlkönig di Schubert); MUSICA DA CAMERA per piccoli gruppi. COMPOSITORI PRINCIPALI — Ludwig van Beethoven (1770-1827), Franz Schubert (1797-1828), Frédéric Chopin (1810-1849), Robert Schumann (1810-1856), Giuseppe Verdi (1813-1901) e Pëtr Il'ič Čajkovskij (1840-1893). STRUMENTI DELL'EPOCA — Il pianoforte è protagonista assoluto, più potente e con maggiore estensione; il violino ha un suono più pieno; il violoncello un timbro caldo e profondo; l'arpa crea effetti raffinati; flauto e corno diventano più espressivi. L'orchestra cresce e si arricchisce di colori. Nasce la figura del compositore-artista: un genio solitario che segue la propria ispirazione.

Fryderyk Chopin (Żelazowa Wola, Polonia, 1810 – Parigi, 1849) è il «poeta del pianoforte»: quasi tutta la sua musica è scritta per questo strumento. Lasciata la Polonia, visse a Parigi, dove suonava soprattutto nei salotti, davanti a pochi ascoltatori, più che nelle grandi sale da concerto. IL PIANOFORTE NEL ROMANTICISMO — Nell'Ottocento il pianoforte diventa lo strumento romantico per eccellenza: si perfeziona la meccanica, la tastiera si allarga e il pedale permette di prolungare e mescolare i suoni. Entra nelle case borghesi e nei salotti, accompagna i Lieder e diventa protagonista di brevi brani lirici (notturni, preludi, studi, mazurche, polacche) che esprimono stati d'animo intimi. Accanto a Chopin, grandi pianisti-compositori come Liszt e Schumann. IL PRELUDIO OP. 28 N. 15 «LA GOCCIA» — Fa parte dei 24 Preludi op. 28, uno per ogni tonalità. Il titolo non è di Chopin: secondo una leggenda legata a George Sand, la sua compagna, il brano nacque nella Certosa di Valldemossa, a Maiorca, durante giorni di pioggia incessante, e la nota ribattuta ricorderebbe le gocce sul tetto. Chopin però detestava queste descrizioni «letterarie» della sua musica.

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Le caratteristiche salienti • I teatri d'opera diventano il centro della vita musicale: in Italia l'opera è quasi l'unico genere che interessa i compositori, e non a caso l'Italia è il Paese con più teatri d'opera al mondo. • I libretti mettono in scena personaggi intrappolati in amori tempestosi e passioni travolgenti; quasi sempre la vicenda si conclude con la tragica morte dell'eroina, impersonata da un soprano (Norma, Luisa Miller, La traviata, Lucia di Lammermoor, Maria Stuarda, Anna Bolena). • L'azione si svolge in un flusso continuo di musica, nel quale a ogni cantante è riservato un momento musicale di particolare importanza: l'aria. Scompaiono il ruolo del castrato, l'uso del clavicembalo e la rigida successione di recitativi tra un'aria e l'altra. • Al coro, che di solito rappresenta la comunità e il popolo, vengono affidati importanti momenti musicali. • L'orchestra è sempre più ricca, per numero e varietà di strumenti: accompagna i cantanti e crea particolari atmosfere musicali — strumenti cupi e gravi come corni, tromboni e contrabbassi per le scene buie, minacciose e pericolose; flauti, oboi e clarinetti per le scene allegre o comiche. • Gli italiani sono maestri nello scrivere magnifiche melodie e nel creare delicati accompagnamenti orchestrali. • I temi trattati sono spesso l'amore per la patria e la lotta per l'affrancamento dallo straniero: poiché una parte consistente del nord Italia apparteneva all'Impero austro-ungarico, l'opera diventa un momento di identificazione collettiva e di diffusione delle idee risorgimentali d'indipendenza e libertà. • I principali compositori italiani del periodo sono Gioachino Rossini, Vincenzo Bellini, Gaetano Donizetti e soprattutto Giuseppe Verdi, musicisti che hanno scritto celebri opere ancora oggi eseguite in tutto il mondo.

Gioachino Rossini nasce a Pesaro nel 1792 in una famiglia di musicisti e studia al Liceo musicale di Bologna. In vent'anni compone circa 40 opere, tra cui L'italiana in Algeri, Il barbiere di Siviglia (Roma, 1816), La Cenerentola e Guglielmo Tell (1829); poi, a soli 37 anni, smette di scrivere per il teatro. Muore a Parigi nel 1868. La sua musica è piena di energia: melodie brillanti, ritmi travolgenti e il celebre «crescendo rossiniano», in cui una frase si ripete sempre più forte e con sempre più strumenti. La sua musica commosse anche il poeta Giacomo Leopardi: scoprilo nell'approfondimento Leopardi, music and Rossini in Monografie. INVITO ALL'ASCOLTO — «Largo al factotum» — dal Barbiere di Siviglia, atto I: il barbiere Figaro entra in scena e si presenta come il «tuttofare» più richiesto della città. Ascolta il canto sillabato velocissimo, quasi uno scioglilingua, e il ritmo saltellante. Scheda d'ascolto PDF

Giuseppe Verdi nasce nel 1813 a Le Roncole, vicino a Busseto (Parma), in una famiglia modesta. Studia musica grazie all'aiuto di un mercante di Busseto, Antonio Barezzi, e si trasferisce a Milano. Dopo anni difficili (perde la moglie e i due figli piccoli) ottiene il grande successo nel 1842 con Nabucco, il cui coro «Va', pensiero» diventa un simbolo del Risorgimento: il suo nome era letto come «Vittorio Emanuele Re D'Italia». Compone 28 opere, tra cui la cosiddetta «trilogia popolare» (Rigoletto, Il trovatore, La traviata), e poi Aida, Otello e Falstaff. Muore a Milano nel 1901. Nelle sue opere mette in scena passioni forti (amore, dolore, gelosia, vendetta) con melodie semplici e orecchiabili che tutti possono ricordare.

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«Va’, pensiero», dal Nabucco di Verdi (1842), su libretto di Temistocle Solera, è il coro degli ebrei esiliati a Babilonia: ricordano la patria perduta e chiedono forza nella sofferenza. La melodia ampia e il canto prevalentemente omoritmico fanno sentire una comunità che parla con una sola voce. Il legame simbolico con il Risorgimento si consolidò nel tempo: non è l’inno nazionale italiano. Scheda PDF Va’, pensiero: attività musicali e civiche. «Il Canto degli Italiani» (Inno di Mameli) nasce nel 1847, con parole di Goffredo Mameli e musica di Michele Novaro. Il ritmo energico di marcia e il ritornello invitano all’unità e alla partecipazione. Adottato provvisoriamente nel 1946, è riconosciuto per legge come inno nazionale nel 2017. Leggiamo il linguaggio del Risorgimento nel suo contesto storico e confrontiamolo con i principi di uguaglianza e pace della Costituzione. Scheda PDF Inno di Mameli: attività musicali e civiche. ATTIVITÀ A CONFRONTO — Segna la pulsazione dei due brani, confronta andamento, dinamica e fraseggio, poi canta una breve frase insieme ai compagni ascoltando le altre voci. Quale brano esprime nostalgia e quale esorta all’azione? Proponi un gesto concreto di solidarietà per la classe. Le due schede complete sono disponibili anche in In-depth studies.

LATE ROMANTICISM (c. 1870-1914) — An age of passions, nationalism and new sounds: music expresses the soul, nature, the exotic and real life. It is the nineteenth century's last great embrace: a world that dreams, struggles, loves and prepares for change. WAGNER AND ORCHESTRAL SYMPHONIC WRITING — With Richard Wagner, the orchestra takes a leading role in music drama. He uses the LEITMOTIF, a short musical theme representing a character, an object or a feeling. He draws inspiration from Norse and Germanic mythology (L'Anello del Nibelungo) and builds the Bayreuth theatre (1876) with its 'mystic gulf', the orchestra pit hidden beneath the stage that makes the musicians invisible. PUCCINI'S EXOTICISM — Giacomo Puccini brings distant worlds and different cultures to the stage through passionate melodies: Madama Butterfly (1904, Japan), Turandot (1926, China), La fanciulla del West (1910, the American Wild West), Manon Lescaut (1893, France) and La Bohème (1896, Paris). FRANCE: REALISM AND IMPRESSIONISM — Claude Debussy (1862-1918) treats music as colour and light, using subtle shades and fleeting atmospheres; Georges Bizet (1838-1875) brings realism, passion and Spanish colour to the stage in Carmen; Maurice Ravel (1875-1937) combines elegance, rhythmic sophistication and brilliant orchestration. ITALIAN VERISMO — Pietro Mascagni launches musical Verismo: everyday life and ordinary people's feelings become the material for drama and music (Cavalleria rusticana). THE NATIONAL SCHOOLS — Throughout Europe, composers draw inspiration from their own country's folk music: Musorgskij and the Gruppo dei Cinque in Russia, Dvořák in Bohemia, Brahms in Germany, Grieg in Norway, Smetana in Bohemia and Albéniz in Spain. IN SUMMARY — Emotion and expressive intensity, very large orchestras rich in tone colours, complex harmonies and chromaticism, exoticism, myth and nature, the rise of national schools and attention to real life: a bridge between the nineteenth and twentieth centuries.