IL RINASCIMENTO (1450-1600) — Il Rinascimento nasce in Italia nel XV secolo e si diffonde in tutta Europa fino alla fine del XVI secolo. È l'epoca dell'Umanesimo: l'uomo, con la sua dignità e la sua ragione, diventa il centro del pensiero. Finisce il Medioevo, nascono gli Stati regionali italiani, si moltiplicano le scoperte geografiche e i commerci, e l'invenzione della stampa (1450 ca.) permette di diffondere anche la musica stampata, che fino ad allora si copiava a mano. CONTESTO CULTURALE — Le corti rinascimentali (Firenze, Ferrara, Mantova, Urbino) e le grandi cappelle musicali delle chiese sostengono i musicisti. Si valorizzano l'arte, la bellezza, l'armonia e la proporzione: la musica deve essere chiara, equilibrata ed espressiva, proprio come le architetture di Bramante o i dipinti di Raffaello. CARATTERISTICHE DELLA MUSICA — Prevale la musica VOCALE. La polifonia rinascimentale mette insieme più voci indipendenti che però si armonizzano tra loro con grande equilibrio. I testi sono in latino nella musica sacra e in lingua volgare (italiano) nella musica profana. Cresce anche la teoria musicale e si perfeziona la notazione. GENERI MUSICALI — La MESSA POLIFONICA è la forma sacra più importante (es. Missa Papae Marcelli). Il MADRIGALE è una canzone a più voci su testo poetico, la forma più tipica dell'epoca. La CANZONE VILLANESCA è una canzone in lingua volgare, spesso amorosa e popolare. La FROTTOLA è leggera e brillante. Le TANZEN o danze strumentali (es. Pavana e Gagliarda) sono musiche strumentali a più parti. COMPOSITORI PRINCIPALI — Giovanni Pierluigi da Palestrina (maestro della polifonia sacra), Orlando di Lasso, Josquin des Prez, Claudio Monteverdi (che aprirà la strada al Barocco) e Giovanni Gabrieli, celebre per la musica a cori spezzati di San Marco a Venezia. STRUMENTI DELL'EPOCA — Liuto (strumento a corde pizzicate molto diffuso nelle corti), viola da gamba (ad arco, tenuta tra le gambe), flauto diritto, clavicembalo (a tastiera con corde pizzicate) e cornetto (a fiato, dal suono simile alla voce.)

IL BAROCCO (1600-1700) — Il Seicento è il secolo dell'assolutismo monarchico, delle grandi corti europee (Versailles, Vienna, Londra, Roma) e dello splendore artistico. La musica diventa uno strumento di rappresentazione del potere e di emozione. Il termine 'barocco' significava in origine 'perla irregolare' e indicava un gusto ricco, sontuoso e stravagante. CONTESTO STORICO E CULTURALE — Nasce il teatro d'opera pubblico (Venezia, 1637): per la prima volta chiunque paghi il biglietto può assistere a uno spettacolo musicale. La Chiesa promuove la musica per esaltare la fede e la liturgia; nascono accademie, teatri e sale da concerto. Trionfa l'estetica barocca fatta di movimento, decorazione ed esuberanza. CARATTERISTICHE DELLA MUSICA — Il principio guida è il CONTRASTO: forte/piano, luce/ombra, gioia/dolore, solista/orchestra. Grande importanza hanno l'espressività e la teoria degli affetti. Il BASSO CONTINUO (clavicembalo o organo più violoncello o fagotto) è il fondamento armonico di quasi ogni brano. Polifonia e melodia convivono e si ricerca il virtuosismo strumentale e vocale. GENERI MUSICALI — L'OPERA (nascita del teatro d'opera, L'Orfeo di Monteverdi, 1607); il CONCERTO GROSSO, dialogo tra un piccolo gruppo di solisti (concertino) e l'orchestra (ripieno); la FUGA, forma polifonica basata sull'imitazione di un tema; la CANTATA per voce e strumenti su testi sacri o profani; l'ORATORIO, opera sacra senza scene né costumi (es. il Messiah di Händel). COMPOSITORI PRINCIPALI — Claudio Monteverdi, Antonio Vivaldi, Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel e Arcangelo Corelli. STRUMENTI DELL'EPOCA — Violino (protagonista assoluto, con i grandi liutai Amati, Stradivari e Guarneri), viola da gamba, oboe, tromba barocca (senza pistoni), clavicembalo e organo, strumento maestoso al centro della musica religiosa.

IL TARDO BAROCCO (1700-1760) — È il periodo di transizione tra il Barocco e il Classicismo. La musica diventa più chiara, leggera ed espressiva, attenta al sentimento e alla bellezza delle forme: è il secolo della grazia e della raffinatezza. CONTESTO STORICO E CULTURALE — Finisce l'epoca delle grandi corti assolutistiche e cresce la borghesia cittadina, che vuole ascoltare musica: nasce il CONCERTO PUBBLICO a pagamento. L'Illuminismo promuove l'educazione, la scienza e le arti; nascono enciclopedie, accademie e salotti culturali, e si afferma il gusto per l'eleganza e la misura. CARATTERISTICHE DELLA MUSICA — Le melodie diventano più cantabili e le armonie più chiare e semplici; cresce l'espressività e il sentimento personale; le forme sono più definite e simmetriche; le dinamiche più contrastanti (piano/forte) grazie anche ai nuovi strumenti; aumenta l'importanza della musica strumentale. GENERI MUSICALI — Il CONCERTO SOLISTICO, in cui un solista dialoga con l'orchestra (Le quattro stagioni di Vivaldi); la SONATA per strumento solo o a più strumenti; la SUITE, raccolta di danze in ordine prestabilito; l'ORATORIO, rappresentazione sacra senza scenografia; l'OPERA SERIA e la nuova OPERA BUFFA, che rinnova il melodramma con personaggi comuni e situazioni comiche (La serva padrona di Pergolesi, 1733). COMPOSITORI PRINCIPALI — Antonio Vivaldi (1678-1741), Domenico Scarlatti (1685-1757), Georg Friedrich Händel (1685-1759), Johann Sebastian Bach (1685-1750) e Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736). STRUMENTI DELL'EPOCA — Violino, liuto, clavicembalo (base del basso continuo), flauto traversiere (più leggero e flessibile del flauto diritto), oboe e corno naturale, usato nelle cacce e nelle cerimonie. In questi anni Bartolomeo Cristofori inventa il pianoforte.

UN PONTE TRA DUE EPOCHE — Tra la fine del Settecento e i primi decenni dell’Ottocento la musica attraversa un passaggio decisivo: all’equilibrio e alla chiarezza del Classicismo si affianca un’espressività più intensa e personale, che aprirà la strada al Romanticismo. Protagonista di questo passaggio è Ludwig van Beethoven: in questo paragrafo lo incontriamo attraverso l’Inno alla gioia, diventato l’inno d’Europa, e attraverso le sue parole sul dolore e sulla sordità nel Testamento di Heiligenstadt. BEETHOVEN TRA CLASSICISMO E ROMANTICISMO — Ludwig van Beethoven nacque a Bonn nel 1770 e morì a Vienna nel 1827. Pianista e compositore, sviluppò le forme di Haydn e Mozart rendendole più ampie, intense e personali. Le sue nove sinfonie, le sonate per pianoforte e i quartetti collegano l’equilibrio classico alla sensibilità romantica. La Nona appartiene alla sua maturità: la studiamo qui per completare il profilo del compositore, pur essendo stata eseguita nel 1824, oltre i limiti indicativi del Classicismo. L’INNO ALLA GIOIA — Nel quarto movimento della Nona Sinfonia, presentata a Vienna il 7 maggio 1824, Beethoven introduce solisti e coro accanto all’orchestra e mette in musica i versi di Friedrich Schiller. Il tema è cantabile, procede soprattutto per gradi congiunti e ritorna con strumenti e intensità differenti: dagli archi gravi si amplia fino alla partecipazione delle voci. Il messaggio è la fratellanza tra gli esseri umani. L’INNO EUROPEO — Il Consiglio d’Europa adottò questa melodia nel 1972; i capi di Stato e di governo della Comunità europea, oggi Unione europea, nel 1985. L’inno europeo usa soltanto la musica: non ha parole ufficiali, non coincide con l’intero finale corale della Nona e non sostituisce gli inni nazionali. Una melodia senza testo può unire persone di lingue diverse e rappresentare libertà, pace e solidarietà. Ascolta l’inno europeo e leggi la fonte dell’Unione europea. IL TESTAMENTO DI HEILIGENSTADT — Il 6 ottobre 1802, con un’aggiunta del 10 ottobre, Beethoven scrisse ai fratelli una lettera rimasta tra le sue carte fino alla morte. Racconta il dolore per la perdita progressiva dell’udito, l’isolamento e la paura di essere giudicato scontroso. Rivela una crisi profonda, ma trova nell’arte e nelle opere ancora da creare una ragione per continuare a vivere. Il Testamento invita a comprendere ciò che una persona prova prima di giudicarne il comportamento. Approfondisci con la Beethoven-Haus (in inglese). SORDITÀ, DIGNITÀ E PARTECIPAZIONE — Beethoven continuò a comporre usando competenze, memoria musicale e immaginazione dei suoni; negli anni successivi si aiutò anche con quaderni di conversazione. La sordità non scomparve: il suo valore non dipende dall’aver “superato” la disabilità. Oggi l’inclusione significa ridurre le barriere, rispettare i bisogni individuali e permettere a tutti di partecipare, con testi scritti, sottotitoli e segnali visivi quando utili. Non bisogna diventare un genio per avere diritto alla dignità e all’accessibilità. Monografie — Beethoven: una gioia che include tutti, attività di musica ed educazione civica. Ascolto del tema, lettura dei pensieri del Testamento e un piccolo patto di classe su pace, solidarietà e inclusione.

IL ROMANTICISMO (1800-1900) — Il Romanticismo si sviluppa in Europa nella prima metà dell'Ottocento e si prolunga fino al primo Novecento. È un'epoca di grandi cambiamenti politici, sociali e culturali: rivoluzione industriale e nuove città, nazionalismi e lotte per l'indipendenza, nascita della borghesia e del pubblico dei concerti, grandi scoperte scientifiche. CONTESTO CULTURALE — Si esaltano il sentimento e l'immaginazione; cresce l'interesse per la natura, il sogno, il mistero e il passato; nascono il romanzo storico e il melodramma romantico; la pittura racconta paesaggi ed emozioni. La musica diventa il linguaggio dell'anima.

CARATTERISTICHE DELLA MUSICA — Melodia ampia, espressiva e cantabile; armonia ricca con modulazioni frequenti; dinamiche estreme dal pianissimo al fortissimo; forma libera e sviluppo tematico; PROGRAMMATICITÀ, cioè la musica racconta idee, immagini e storie; grande virtuosismo strumentale. GENERI MUSICALI — SINFONIA per grande orchestra; POEMA SINFONICO, che descrive un racconto o un'idea (Les Préludes di Liszt); CONCERTO SOLISTICO; MELODRAMMA, opera lirica dai temi drammatici e passionali (La Traviata di Verdi); LIED e ROMANZA, canzoni per voce e pianoforte (Erlkönig di Schubert); MUSICA DA CAMERA per piccoli gruppi. COMPOSITORI PRINCIPALI — Ludwig van Beethoven (1770-1827), Franz Schubert (1797-1828), Frédéric Chopin (1810-1849), Robert Schumann (1810-1856), Giuseppe Verdi (1813-1901) e Pëtr Il'ič Čajkovskij (1840-1893). STRUMENTI DELL'EPOCA — Il pianoforte è protagonista assoluto, più potente e con maggiore estensione; il violino ha un suono più pieno; il violoncello un timbro caldo e profondo; l'arpa crea effetti raffinati; flauto e corno diventano più espressivi. L'orchestra cresce e si arricchisce di colori. Nasce la figura del compositore-artista: un genio solitario che segue la propria ispirazione.

Fryderyk Chopin (Żelazowa Wola, Polonia, 1810 – Parigi, 1849) è il «poeta del pianoforte»: quasi tutta la sua musica è scritta per questo strumento. Lasciata la Polonia, visse a Parigi, dove suonava soprattutto nei salotti, davanti a pochi ascoltatori, più che nelle grandi sale da concerto. IL PIANOFORTE NEL ROMANTICISMO — Nell'Ottocento il pianoforte diventa lo strumento romantico per eccellenza: si perfeziona la meccanica, la tastiera si allarga e il pedale permette di prolungare e mescolare i suoni. Entra nelle case borghesi e nei salotti, accompagna i Lieder e diventa protagonista di brevi brani lirici (notturni, preludi, studi, mazurche, polacche) che esprimono stati d'animo intimi. Accanto a Chopin, grandi pianisti-compositori come Liszt e Schumann. IL PRELUDIO OP. 28 N. 15 «LA GOCCIA» — Fa parte dei 24 Preludi op. 28, uno per ogni tonalità. Il titolo non è di Chopin: secondo una leggenda legata a George Sand, la sua compagna, il brano nacque nella Certosa di Valldemossa, a Maiorca, durante giorni di pioggia incessante, e la nota ribattuta ricorderebbe le gocce sul tetto. Chopin però detestava queste descrizioni «letterarie» della sua musica.

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Le caratteristiche salienti • I teatri d'opera diventano il centro della vita musicale: in Italia l'opera è quasi l'unico genere che interessa i compositori, e non a caso l'Italia è il Paese con più teatri d'opera al mondo. • I libretti mettono in scena personaggi intrappolati in amori tempestosi e passioni travolgenti; quasi sempre la vicenda si conclude con la tragica morte dell'eroina, impersonata da un soprano (Norma, Luisa Miller, La traviata, Lucia di Lammermoor, Maria Stuarda, Anna Bolena). • L'azione si svolge in un flusso continuo di musica, nel quale a ogni cantante è riservato un momento musicale di particolare importanza: l'aria. Scompaiono il ruolo del castrato, l'uso del clavicembalo e la rigida successione di recitativi tra un'aria e l'altra. • Al coro, che di solito rappresenta la comunità e il popolo, vengono affidati importanti momenti musicali. • L'orchestra è sempre più ricca, per numero e varietà di strumenti: accompagna i cantanti e crea particolari atmosfere musicali — strumenti cupi e gravi come corni, tromboni e contrabbassi per le scene buie, minacciose e pericolose; flauti, oboi e clarinetti per le scene allegre o comiche. • Gli italiani sono maestri nello scrivere magnifiche melodie e nel creare delicati accompagnamenti orchestrali. • I temi trattati sono spesso l'amore per la patria e la lotta per l'affrancamento dallo straniero: poiché una parte consistente del nord Italia apparteneva all'Impero austro-ungarico, l'opera diventa un momento di identificazione collettiva e di diffusione delle idee risorgimentali d'indipendenza e libertà. • I principali compositori italiani del periodo sono Gioachino Rossini, Vincenzo Bellini, Gaetano Donizetti e soprattutto Giuseppe Verdi, musicisti che hanno scritto celebri opere ancora oggi eseguite in tutto il mondo.

Gioachino Rossini nasce a Pesaro nel 1792 in una famiglia di musicisti e studia al Liceo musicale di Bologna. In vent'anni compone circa 40 opere, tra cui L'italiana in Algeri, Il barbiere di Siviglia (Roma, 1816), La Cenerentola e Guglielmo Tell (1829); poi, a soli 37 anni, smette di scrivere per il teatro. Muore a Parigi nel 1868. La sua musica è piena di energia: melodie brillanti, ritmi travolgenti e il celebre «crescendo rossiniano», in cui una frase si ripete sempre più forte e con sempre più strumenti. La sua musica commosse anche il poeta Giacomo Leopardi: scoprilo nell'approfondimento Leopardi, la musica e Rossini in Monografie. INVITO ALL'ASCOLTO — «Largo al factotum» — dal Barbiere di Siviglia, atto I: il barbiere Figaro entra in scena e si presenta come il «tuttofare» più richiesto della città. Ascolta il canto sillabato velocissimo, quasi uno scioglilingua, e il ritmo saltellante. Scheda d'ascolto PDF

Giuseppe Verdi nasce nel 1813 a Le Roncole, vicino a Busseto (Parma), in una famiglia modesta. Studia musica grazie all'aiuto di un mercante di Busseto, Antonio Barezzi, e si trasferisce a Milano. Dopo anni difficili (perde la moglie e i due figli piccoli) ottiene il grande successo nel 1842 con Nabucco, il cui coro «Va', pensiero» diventa un simbolo del Risorgimento: il suo nome era letto come «Vittorio Emanuele Re D'Italia». Compone 28 opere, tra cui la cosiddetta «trilogia popolare» (Rigoletto, Il trovatore, La traviata), e poi Aida, Otello e Falstaff. Muore a Milano nel 1901. Nelle sue opere mette in scena passioni forti (amore, dolore, gelosia, vendetta) con melodie semplici e orecchiabili che tutti possono ricordare.

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«Va’, pensiero», dal Nabucco di Verdi (1842), su libretto di Temistocle Solera, è il coro degli ebrei esiliati a Babilonia: ricordano la patria perduta e chiedono forza nella sofferenza. La melodia ampia e il canto prevalentemente omoritmico fanno sentire una comunità che parla con una sola voce. Il legame simbolico con il Risorgimento si consolidò nel tempo: non è l’inno nazionale italiano. Scheda PDF Va’, pensiero: attività musicali e civiche. «Il Canto degli Italiani» (Inno di Mameli) nasce nel 1847, con parole di Goffredo Mameli e musica di Michele Novaro. Il ritmo energico di marcia e il ritornello invitano all’unità e alla partecipazione. Adottato provvisoriamente nel 1946, è riconosciuto per legge come inno nazionale nel 2017. Leggiamo il linguaggio del Risorgimento nel suo contesto storico e confrontiamolo con i principi di uguaglianza e pace della Costituzione. Scheda PDF Inno di Mameli: attività musicali e civiche. ATTIVITÀ A CONFRONTO — Segna la pulsazione dei due brani, confronta andamento, dinamica e fraseggio, poi canta una breve frase insieme ai compagni ascoltando le altre voci. Quale brano esprime nostalgia e quale esorta all’azione? Proponi un gesto concreto di solidarietà per la classe. Le due schede complete sono disponibili anche in Monografie.

IL TARDO ROMANTICISMO (1870-1914 circa) — Un'epoca di passioni, nazionalismi e nuove sonorità: la musica racconta l'anima, la natura, l'esotico e la vita reale. È l'ultimo grande abbraccio dell'Ottocento, un mondo che sogna, lotta, ama e si prepara a cambiare. WAGNER E IL SINFONISMO ORCHESTRALE — Con Richard Wagner l'orchestra diventa protagonista del dramma musicale. Usa il LEITMOTIV, un breve tema musicale che rappresenta un personaggio, un oggetto o un sentimento. Si ispira alla mitologia nordica e germanica (L'Anello del Nibelungo) e costruisce il teatro di Bayreuth (1876) con il 'golfo mistico', la buca orchestrale nascosta sotto il palcoscenico che rende i musicisti invisibili. L'ESOTISMO DI PUCCINI — Giacomo Puccini porta in scena mondi lontani e culture diverse con melodie appassionate: Madama Butterfly (1904, Giappone), Turandot (1926, Cina), La fanciulla del West (1910, Far West americano), Manon Lescaut (1893, Francia) e La Bohème (1896, Parigi). LA FRANCIA: REALISMO E IMPRESSIONISMO — Claude Debussy (1862-1918) tratta la musica come colore e luce, con sfumature e atmosfere evanescenti; Georges Bizet (1838-1875) porta in scena realismo, passione e colore spagnolo nella Carmen; Maurice Ravel (1875-1937) unisce eleganza, raffinatezza ritmica e orchestrazione brillante. IL VERISMO ITALIANO — Pietro Mascagni inaugura il Verismo musicale: la vita quotidiana e i sentimenti popolari diventano materia drammatica e musicale (Cavalleria rusticana). LE SCUOLE NAZIONALI — In tutta Europa i compositori si ispirano alla musica popolare del proprio paese: Musorgskij e il Gruppo dei Cinque in Russia, Dvořák in Boemia, Brahms in Germania, Grieg in Norvegia, Smetana in Boemia e Albéniz in Spagna. IN SINTESI — Emozione e intensità espressiva, orchestre molto grandi e ricche di colori, armonie complesse e cromatismo, esotismo, mito e natura, nascita delle scuole nazionali e attenzione alla vita reale: un ponte tra Ottocento e Novecento.