LA BELLE ÉPOQUE (1880-1914) — Si chiama Belle Époque, cioè "bella epoca", il periodo che va dagli ultimi decenni dell'Ottocento allo scoppio della Prima guerra mondiale. Sono anni di pace, di grandi invenzioni (elettricità, automobile, cinema, fonografo, telefono) e di fiducia nel progresso. Parigi ne è la capitale: le Esposizioni Universali, la Torre Eiffel (1889), i caffè-concerto, il Moulin Rouge e i grandi teatri fanno della città il centro culturale d'Europa. LA MUSICA DEI LUOGHI DI SVAGO — La borghesia frequenta i saloni da ballo (dove trionfa il VALZER viennese di Johann Strauss jr.), i cabaret e i café-chantant, dove nascono il CAN-CAN di Offenbach, l'operetta e la canzone leggera. Nei locali arrivano anche i primi ritmi afroamericani: il cakewalk e il ragtime, che affascinano perfino Debussy. IN FRANCIA — Claude Debussy dà vita all'IMPRESSIONISMO MUSICALE: come i pittori Monet e Renoir dipingono la luce, lui costruisce la musica con timbri, colori e atmosfere sfumate (scale esatonali, accordi che non 'risolvono'). Maurice Ravel unisce raffinatezza timbrica e ritmi di danza. Erik Satie sceglie invece semplicità e ironia (le Gymnopédies). IN ITALIA — Trionfa il melodramma con Giacomo Puccini (La Bohème, Tosca, Madama Butterfly) e il VERISMO di Mascagni e Leoncavallo: storie di gente comune, passioni forti, melodie appassionate. Fioriscono inoltre la CANZONE NAPOLETANA ('O sole mio, Torna a Surriento) e le prime canzoni popolari diffuse da spartiti e grammofoni. LE NOVITÀ TECNOLOGICHE — Il fonografo di Edison e poi il grammofono permettono per la prima volta di REGISTRARE e RIASCOLTARE la musica: comincia l'era della musica riprodotta, che cambierà per sempre il modo di ascoltare.

LE AVANGUARDIE DEL NOVECENTO — Con il nuovo secolo e la tragedia delle due guerre mondiali, molti musicisti sentono il bisogno di ROMPERE con le regole del passato. Nascono le avanguardie: movimenti che sperimentano nuovi suoni, nuove scale, nuovi strumenti e perfino nuovi modi di scrivere la musica. IMPRESSIONISMO (Debussy, Ravel) — La musica non racconta più una storia: evoca immagini e sensazioni con timbri e armonie nuove. ESPRESSIONISMO E DODECAFONIA (Schönberg, Berg, Webern) — L'arte deve esprimere l'angoscia interiore. Schönberg abbandona la tonalità (ATONALITÀ) e inventa la DODECAFONIA: i dodici suoni della scala cromatica hanno tutti la stessa importanza e vengono organizzati in una 'serie'. Nel Pierrot Lunaire usa lo Sprechgesang, a metà tra parlato e cantato. PRIMITIVISMO E RITMO (Stravinsky, Bartók) — La Sagra della primavera (1913) scatena uno scandalo a Parigi: ritmi violenti e irregolari, dissonanze, richiami a riti arcaici. Bartók studia la musica popolare ungherese e la trasforma in musica colta. FUTURISMO (Russolo, Marinetti) — In Italia i futuristi esaltano la macchina e la velocità: gli INTONARUMORI producono i rumori della città moderna. Il rumore entra ufficialmente in musica. MUSICA CONCRETA ED ELETTRONICA — Dopo il 1948 Pierre Schaeffer a Parigi registra suoni reali su nastro e li manipola (MUSICA CONCRETA); a Colonia Stockhausen genera suoni artificiali con oscillatori (MUSICA ELETTRONICA); a Milano nasce lo Studio di Fonologia della RAI con Berio e Maderna. Sono le radici di tutta la musica digitale di oggi: campionamento, sintetizzatori, computer. MUSICA ALEATORIA E SPERIMENTALE (Cage) — John Cage introduce il CASO nella composizione e con 4'33" fa 'suonare' il silenzio: la musica diventa ascolto dell'ambiente. Altri, come Penderecki e Ligeti, lavorano su masse sonore e cluster.

GLI STANDARD JAZZ — Si chiama STANDARD un brano famoso e amato che tutti i jazzisti conoscono e continuano a suonare e reinterpretare: melodia e accordi diventano una lingua comune, su cui ognuno improvvisa una versione sempre nuova. Molti standard nascono dal TEATRO MUSICALE e dal CINEMA (Gershwin, Weill, Porter), altri da canzoni popolari; «Caravan» di Ellington e Tizol è uno di questi. Le grandi cantanti ne hanno fatto la loro arte: Ella Fitzgerald («Summertime», «Mack the Knife»), Billie Holiday («Strange Fruit», «God Bless the Child»), Sarah Vaughan («Misty», «Lullaby of Birdland»), Peggy Lee («Fever»), Nina Simone («Feeling Good»), Etta James («At Last»), Dinah Washington («What a Diff'rence a Day Makes»).

Negli anni '50 negli USA il rhythm & blues nero incontra il country bianco e nasce il ROCK 'N' ROLL: ritmo trascinante, chitarra elettrica, basso, batteria, voce. Elvis Presley diventa 'il re', Chuck Berry e Little Richard ne fissano il linguaggio. Negli anni '60 esplode il BEAT inglese (Beatles, Rolling Stones, The Who) e il rock si fa più sperimentale: psichedelia (Jimi Hendrix, Pink Floyd), folk impegnato (Bob Dylan), soul (James Brown, Aretha Franklin). Negli anni '70 nascono molti sotto-generi: HARD ROCK e HEAVY METAL (Led Zeppelin, Deep Purple, Black Sabbath), ROCK PROGRESSIVO (Pink Floyd, Genesis, Yes), GLAM ROCK (David Bowie, Queen), PUNK (Sex Pistols, Ramones), DISCO music (Bee Gees, Donna Summer). Negli anni '80 dominano il POP globale (Michael Jackson, Madonna, Prince), il NEW WAVE / synth pop (Depeche Mode, The Cure), il METAL (Metallica, Iron Maiden) e nasce l'HIP HOP / RAP. Negli anni '90 il GRUNGE (Nirvana, Pearl Jam), il britpop (Oasis, Blur), il rap diventa mainstream (Tupac, Notorious B.I.G.) e nasce la musica ELETTRONICA da club (techno, house). Oggi: pop digitale (streaming, social), TRAP e hip hop, K-POP, indie, R&B contemporaneo, EDM. In Italia: cantautori (De André, Battisti, Dalla, Vasco, Ligabue), pop e rap (Mengoni, Mahmood, Måneskin).

IL POP E LA CANZONE — La parola POP viene da 'popular music': è la musica pensata per piacere a un pubblico vastissimo, diffusa da radio, dischi, televisione, videoclip e oggi streaming e social. La sua unità di misura è la CANZONE: un brano di 3-4 minuti costruito su una struttura semplice e riconoscibile — introduzione, strofa, ritornello (refrain), bridge, finale — con un ritornello facile da memorizzare (il 'gancio' o hook). COME NASCE UN SUCCESSO — Testo e melodia sono solo l'inizio: contano l'arrangiamento, la PRODUZIONE in studio, il missaggio, il videoclip e la promozione. Dagli anni '80 il video musicale (MTV) diventa parte integrante della canzone; oggi lo sono le piattaforme di streaming e i social, dove pochi secondi possono lanciare un brano. LE VOCI DEL POP — Michael Jackson e Madonna negli anni '80 inventano il pop globale come spettacolo totale (musica, danza, immagine). Whitney Houston e Mariah Carey portano il virtuosismo vocale del gospel nel pop; Prince unisce funk, rock e soul. Negli anni 2000 arrivano Beyoncé, Adele, Ed Sheeran, Rihanna, Taylor Swift, Billie Eilish, e i fenomeni globali del K-POP (BTS, Blackpink). LA TECNOLOGIA — Sintetizzatori, drum machine, campionatori e Auto-Tune hanno cambiato il suono del pop. Oggi molte canzoni nascono su un computer con pochi strumenti reali: chiunque, anche a casa, può produrre musica. DA ASCOLTARE CON ATTENZIONE — Riconoscere la struttura (strofa/ritornello), il ritmo di base, gli strumenti elettronici e il modo di cantare aiuta a capire perché una canzone 'funziona'.

LA CANZONE ITALIANA — La nostra canzone nasce dalla grande tradizione melodica dell'opera e della canzone napoletana. Il momento di svolta è il 1958, quando Domenico Modugno vince Sanremo con 'Nel blu dipinto di blu': testo poetico, gesto libero, melodia moderna. GLI ANNI '60: URLATORI E CANTAUTORI — Accanto agli 'urlatori' (Celentano, Mina, Bertè più tardi) e ai divi della melodia, nascono i CANTAUTORI: artisti che scrivono da soli testo e musica. La scuola genovese (Gino Paoli, Luigi Tenco, Bruno Lauzi, Fabrizio De André) porta nella canzone la poesia, l'amore vero, gli emarginati. GLI ANNI '70: L'IMPEGNO — Lucio Battisti e Mogol rinnovano il linguaggio; Francesco Guccini, Francesco De Gregori, Lucio Dalla, Antonello Venditti, Edoardo Bennato, Pino Daniele (con il suo blues napoletano) raccontano la società, la politica e i sentimenti. Nascono i festival e i grandi concerti. GLI ANNI '80-'90 — Vasco Rossi e Ligabue portano il rock d'autore; Zucchero il blues; Eros Ramazzotti, Laura Pausini e Andrea Bocelli conquistano il mercato internazionale; Jovanotti apre la strada al rap italiano; Paolo Conte e Ivano Fossati coltivano una canzone raffinata e jazzata. OGGI — Convivono il pop d'autore (Elisa, Marco Mengoni, Cesare Cremonini, Tiziano Ferro, Carmen Consoli, Niccolò Fabi, Max Gazzé), il rap e la trap (Ghali, Lazza, Marracash), i nuovi cantautori (Angelina Mango, Irama) e il rock dei Måneskin. Sanremo resta la vetrina principale della canzone italiana. CHE COS'È UN CANTAUTORE — È un autore-interprete: la parola conta quanto la musica. Per questo molte canzoni italiane si studiano come vere e proprie poesie in musica.

CANZONI E MESSAGGI — La musica non serve solo a divertire: da sempre serve anche a DIRE qualcosa. Una canzone può denunciare un'ingiustizia, chiedere pace, raccontare la fatica del lavoro, difendere l'ambiente o sostenere chi soffre. Il suo potere sta nel fatto che entra nella memoria di tutti. CANZONI DI PACE E CONTRO LA GUERRA — 'Imagine' di John Lennon, 'Blowin' in the Wind' di Bob Dylan, 'La guerra di Piero' e 'Girotondo' di De André, 'Il mio nome è mai più' di Ligabue-Jovanotti-Pelù: parole semplici per idee grandi. CANZONI DI PROTESTA E DIRITTI CIVILI — Negli Stati Uniti gli spiritual, poi il folk di Dylan e Joan Baez, il soul di Sam Cooke ('A Change Is Gonna Come'), il reggae di Bob Marley ('Get Up, Stand Up'), il rap delle periferie. In Italia i canti di lavoro e di lotta ('Bella ciao', 'Contessa'). MUSICA E SOLIDARIETÀ — I grandi eventi benefici: Live Aid (1985), 'We Are the World', 'Do They Know It's Christmas?', i concerti per l'Amazzonia o per i terremotati. La musica raccoglie fondi e attenzione. AMBIENTE E FUTURO — 'Earth Song' di Michael Jackson, 'Big Yellow Taxi' di Joni Mitchell, tanti brani recenti sul cambiamento climatico. COME SI ANALIZZA UNA CANZONE-MESSAGGIO — Si guarda il TESTO (chi parla? a chi? che cosa chiede?), il CONTESTO storico, la MUSICA (un ritmo di marcia, una melodia dolce o un grido cambiano il senso) e l'effetto sul pubblico.

MUSICA E PARITÀ DI GENERE — Per secoli alle donne è stato difficile fare musica come professione: potevano cantare o suonare in famiglia, ma raramente studiare composizione, dirigere un'orchestra o pubblicare le proprie opere. Eppure la storia è piena di musiciste straordinarie, spesso dimenticate. LE COMPOSITRICI DIMENTICATE — Hildegard von Bingen (XII secolo), monaca, poetessa e compositrice; Francesca Caccini e Barbara Strozzi nel Seicento; Fanny Mendelssohn, sorella di Felix, costretta a pubblicare con il nome del fratello; Clara Schumann, grande pianista e compositrice; nel Novecento Lili Boulanger e Nadia Boulanger, maestra di generazioni di musicisti. LE PIONIERE DEL POPOLARE — Bessie Smith e Billie Holiday nel jazz e nel blues; Ella Fitzgerald, regina dello scat; Aretha Franklin, voce del soul e dei diritti civili; Miriam Makeba, contro l'apartheid; in Italia Mina, Milva, Loredana Bertè, Carmen Consoli, Elisa. STEREOTIPI DA SUPERARE — Ancora oggi le direttrici d'orchestra, le produttrici e le tecniche del suono sono poche, e i testi di certe canzoni riproducono immagini offensive o violente della donna. Analizzare i testi con spirito critico è un esercizio di cittadinanza. LA MUSICA COME STRUMENTO DI PARITÀ — Molti brani parlano di autostima, libertà e rispetto ('Respect', 'You Don't Own Me', 'Run the World'). La musica può cambiare il modo in cui guardiamo agli altri: per questo è importante scegliere con consapevolezza ciò che ascoltiamo.

ARTISTI OLTRE LE BARRIERE — La musica è un linguaggio che nessuna barriera riesce davvero a fermare. Molti grandi artisti hanno fatto della propria disabilità o delle proprie difficoltà un punto di partenza, non un limite. LUDWIG VAN BEETHOVEN — Comincia a perdere l'udito a poco più di vent'anni e diventa completamente sordo: eppure scrive i suoi capolavori 'ascoltando' interiormente, fino all'Inno alla gioia della Nona Sinfonia, oggi inno europeo. CHI NON VEDE — Ray Charles e Stevie Wonder, ciechi fin da bambini, hanno rivoluzionato soul e funk; Andrea Bocelli è conosciuto in tutto il mondo; l'organista francese Louis Vierne suonava a Notre-Dame quasi senza vista. CHI NON SENTE — La percussionista scozzese Evelyn Glennie è sorda dall'età di dodici anni: suona a piedi nudi per percepire le vibrazioni con il corpo e dimostra che l'ascolto non passa solo dalle orecchie. CHI SUPERA UN INCIDENTE O UNA MALATTIA — Django Reinhardt, ustionato alla mano sinistra, inventa una tecnica nuova con due sole dita e diventa il padre del jazz manouche; Itzhak Perlman, colpito da poliomielite, è tra i massimi violinisti; Ezio Bosso continua a suonare e dirigere durante la malattia; Rick Allen dei Def Leppard suona la batteria con un solo braccio. MUSICA E INCLUSIONE — Oggi esistono orchestre inclusive, strumenti adattati, software che permettono di suonare con lo sguardo o con un solo dito, e la musicoterapia aiuta a comunicare chi non parla. Fare musica insieme è una delle esperienze più inclusive che esistano.

IL MUSICAL — Il musical (o commedia musicale) è uno spettacolo teatrale in cui recitazione, canto e danza si fondono per raccontare una storia. Nasce negli Stati Uniti tra fine Ottocento e primo Novecento dall'incontro tra operetta europea, vaudeville, minstrel show e jazz; il suo tempio è BROADWAY a New York, insieme al West End di Londra. COME È FATTO — Ci sono le CANZONI (song), i numeri di DANZA, i dialoghi parlati e l'orchestra dal vivo. Ogni personaggio ha spesso una canzone che ne rivela i sentimenti; il grande finale riunisce tutti sul palco. A differenza dell'opera lirica, si canta con voce 'di petto' amplificata dal microfono e il linguaggio musicale è quello popolare (jazz, pop, rock). LE TAPPE — Show Boat (1927) è considerato il primo musical moderno; seguono l'età d'oro con Oklahoma!, West Side Story di Bernstein (1957, Romeo e Giulietta a New York), My Fair Lady, The Sound of Music. Negli anni '70-'80 arrivano le opere rock (Jesus Christ Superstar, Hair) e i kolossal di Andrew Lloyd Webber (Cats, The Phantom of the Opera, Evita). Poi Les Misérables, Rent, Il Re Leone, Mamma Mia!, Wicked, e oggi Hamilton, che racconta la storia americana con rap e hip hop. IN ITALIA — Notre-Dame de Paris nella versione italiana con le musiche di Riccardo Cocciante ha lanciato il genere; ci sono poi Aggiungi un posto a tavola di Garinei e Giovannini e molte produzioni recenti. AL CINEMA — Dal film-musical classico (Cantando sotto la pioggia, Grease, Mary Poppins) fino a La La Land e ai film d'animazione Disney, il musical è uno dei generi più amati dal pubblico.

Si chiama 'musica etnica' o 'world music' l'insieme delle tradizioni musicali dei popoli del mondo, ognuna con propri strumenti, scale, ritmi e funzioni (rituale, festiva, narrativa). AFRICA: polifonia vocale e poliritmia (più ritmi sovrapposti), canto responsoriale (call & response), strumenti come djembe, kora (arpa-liuto), balafon (xilofono), talking drum. INDIA: musica colta basata su raga (scale-modi associati a ore, stagioni, sentimenti) e tala (cicli ritmici fissi). Strumenti: sitar (Ravi Shankar), tabla, tampura, sarod, bansuri. AMERICA LATINA: samba e bossa nova (Brasile), tango (Argentina), salsa, rumba, son (Cuba), mariachi (Messico), musica andina (Perù, Bolivia) con quena e charango. MONDO ARABO: scale modali maqam con quarti di tono, strumenti come oud (liuto), qanun (cetra), ney (flauto), darbuka (tamburo a calice). ESTREMO ORIENTE: Cina (erhu, pipa, scala pentatonica), Giappone (koto, shakuhachi, gagaku di corte), Indonesia (gamelan: orchestra di metallofoni e gong di Bali e Giava). EUROPA POPOLARE: musica celtica (Irlanda, Scozia: cornamuse, fiddle), flamenco (Spagna: chitarra, voce, palmas), klezmer (Europa orientale), pizzica e tarantella (Italia del Sud).

LA WORLD MUSIC — Con world music si indica, dagli anni '80 in poi, l'incontro tra le tradizioni musicali dei popoli e i linguaggi della musica moderna (pop, rock, jazz, elettronica). Non è quindi la musica etnica 'pura', ma il suo dialogo con il mondo globale: strumenti tradizionali con batteria e basso elettrico, lingue africane o latine dentro canzoni pop, produzioni internazionali. COME NASCE — Il termine viene lanciato nel 1987 da alcune etichette discografiche londinesi per dare uno scaffale comune a musiche di tutto il pianeta. Alcuni dischi diventano simbolo del fenomeno: 'Graceland' di Paul Simon (1986) con i cori sudafricani dei Ladysmith Black Mambazo, i lavori di Peter Gabriel e il festival WOMAD. I GENERI PIÙ NOTI — AFROBEAT (Fela Kuti, Nigeria: funk, jazz e ritmi yoruba); REGGAE, ska e dub dalla Giamaica (Bob Marley); LATIN FUSION: salsa, cumbia, bossa nova e tango riletti in chiave moderna (Piazzolla, Buena Vista Social Club); RAÏ algerino (Khaled); BHANGRA e fusioni indiane; CELTIC FUSION; K-POP e J-pop come fenomeni globali dell'Asia. IN ITALIA — La 'taranta' salentina e la musica popolare del Sud rinascono con la Notte della Taranta; artisti come Eugenio Bennato, i Tarantolati, Vinicio Capossela e Manu Chao (in Europa) mescolano tradizione e canzone d'autore. PERCHÉ È IMPORTANTE — La world music insegna che non esiste una sola musica 'giusta': ogni cultura ha scale, ritmi e strumenti propri e l'incontro fra loro genera cose nuove. È anche un esercizio di rispetto, purché non si trasformi in sfruttamento delle culture altrui.

LA MUSICA DA FILM — Il cinema nasce muto, ma non silenzioso: già dal 1895 un pianista o un'orchestra accompagnavano dal vivo le immagini. Con l'arrivo del sonoro (1927, 'Il cantante di jazz') la colonna sonora diventa parte del film. CHE COSA FA LA MUSICA IN UN FILM — 1) crea l'ATMOSFERA (paura, gioia, mistero); 2) sottolinea le EMOZIONI dei personaggi; 3) usa il LEITMOTIV, un tema che ritorna ogni volta che compare un personaggio o un'idea (tecnica ereditata da Wagner); 4) collega le scene e dà ritmo al montaggio; 5) colloca la storia in un'epoca o in un luogo. MUSICA DIEGETICA E EXTRADIEGETICA — La musica DIEGETICA appartiene alla scena: i personaggi la sentono (una radio, un'orchestra in sala). Quella EXTRADIEGETICA la sente solo lo spettatore: è il commento musicale. I GRANDI COMPOSITORI — Ennio Morricone (il western, C'era una volta il West, Nuovo Cinema Paradiso), Nino Rota (Fellini, Il Padrino), John Williams (Star Wars, Indiana Jones, Harry Potter, Schindler's List), Hans Zimmer (Il Gladiatore, Interstellar), Howard Shore (Il Signore degli Anelli), Nicola Piovani (La vita è bella), Bernard Herrmann (Hitchcock, Psycho). OLTRE IL CINEMA — Musica per serie TV, videoclip e VIDEOGIOCHI, dove il suono è 'adattivo': cambia in base a ciò che fa il giocatore. È oggi uno dei settori più creativi e in crescita.

LA MUSICA NELLA PUBBLICITÀ — La pubblicità usa la musica perché il suono entra nella memoria molto più in fretta delle parole. Bastano poche note per ricordare un marchio anche a distanza di anni. IL JINGLE — È un breve motivo cantato, orecchiabile e ripetitivo, spesso con il nome del prodotto nel testo. In Italia il grande laboratorio è stato CAROSELLO (1957-1977): brevi storie con musica originale, seguite da tutta la famiglia. IL SOUND LOGO — Oggi molti marchi hanno una firma sonora di 2-3 secondi: il 'ta-dum' di Netflix, il suono di avvio di un computer, le cinque note di Intel, il fischio di McDonald's. È il corrispettivo sonoro del logo grafico. LA CANZONE PRESTATA — Molti spot usano brani famosi già esistenti: la canzone porta con sé emozioni e ricordi che si trasferiscono sul prodotto. A volte accade il contrario: uno spot rilancia una vecchia canzone facendola tornare in classifica. MUSICA ORIGINALE D'AUTORE — Grandi compositori hanno scritto per la pubblicità: Ennio Morricone (Barilla), Riz Ortolani, e molti musicisti pop. COME FUNZIONA — La musica pubblicitaria sceglie il TEMPO (veloce = energia, lento = eleganza), il TIMBRO (archi = raffinatezza, chitarra elettrica = grinta, suoni elettronici = tecnologia) e il MODO (maggiore = allegria, minore = nostalgia). Riconoscere questi meccanismi ci rende ascoltatori — e consumatori — più consapevoli.

LA MUSICA ELETTRONICA — È la musica prodotta, trasformata o riprodotta con mezzi elettrici ed elettronici: oscillatori, sintetizzatori, registratori, computer. Nasce quando la tecnologia permette per la prima volta di CONSERVARE il suono (il fonografo di Edison) e di GENERARLO artificialmente. LE ORIGINI (inizio '900) — Il Futurismo di Luigi Russolo teorizza l'ARTE DEI RUMORI e costruisce gli intonarumori: anche il rumore della città può diventare musica. Nel 1920 Lev Theremin inventa il THEREMIN, strumento che si suona senza toccarlo, muovendo le mani tra due antenne. Nascono anche le onde Martenot e la radio come nuovo mezzo di diffusione. LE DUE SCUOLE (anni '50) — A PARIGI, con Pierre Schaeffer, nasce la MUSICA CONCRETA: si registrano suoni reali (treni, voci, oggetti) e li si manipola tagliando e incollando il nastro magnetico. A COLONIA, con Karlheinz Stockhausen, nasce la MUSICA ELETTRONICA pura: i suoni sono generati da oscillatori, cioè creati dal nulla. In Italia lo Studio di Fonologia della RAI a Milano ospita Berio e Maderna. L'ERA MOOG — Negli anni '60 Robert Moog costruisce sintetizzatori compatti e suonabili: arrivano nelle classifiche con Wendy Carlos, i Pink Floyd, i Kraftwerk, che con i loro ritmi robotici anticipano tutta la musica da ballo successiva. MIDI E COMPUTER — Nel 1983 il protocollo MIDI permette a tastiere, drum machine e computer di parlare la stessa lingua: nasce la computer music e chiunque può comporre in casa con un sequencer. HOUSE, TECHNO E OGGI — Dalle discoteche di Chicago (house) e Detroit (techno) l'elettronica conquista il mondo: il DJ diventa un musicista che costruisce il brano dal vivo. Oggi campionamento, loop e software sono alla base di pop, rap e colonne sonore.

MUSICA, RISORGIMENTO E CITTADINANZA — Riprendiamo due brani dell’Ottocento studiati nel Romanticismo di Classe Seconda, per confrontare appartenenza, memoria e partecipazione. VA’, PENSIERO — Nel Nabucco di Giuseppe Verdi (1842), gli esiliati ricordano la propria terra: il canto corale esprime dolore e speranza condivisi. Ascolta la melodia ampia e il fraseggio comune, poi rifletti su dignità, accoglienza e solidarietà, collegandoti agli articoli 2 e 3 della Costituzione. Ascolta Va’, pensiero · Scheda PDF Va’, pensiero. L’INNO DI MAMELI — Il Canto degli Italiani, scritto da Goffredo Mameli e musicato da Michele Novaro nel 1847, è oggi l’inno nazionale. Segui il ritmo di marcia e canta il ritornello in gruppo, curando entrate e consonanti. Confronta l’invito all’unità del testo con la partecipazione democratica, l’uguaglianza e il ripudio della guerra (articoli 1, 3 e 11 della Costituzione): il linguaggio del 1847 va interpretato nel suo contesto, non come ostilità verso altri popoli. Ascolta l’Inno di Mameli · Scheda PDF Inno di Mameli. LABORATORIO MUSICALE E CIVICO — In due gruppi confrontate pulsazione, andamento e canto collettivo dei brani. Poi discutete: come si può appartenere a una comunità senza escludere nessuno? Scegliete un’azione di accoglienza o partecipazione da realizzare a scuola. Ritrovate entrambe le attività complete in Monografie. MUSICA ED EDUCAZIONE CIVICA — La musica non è solo intrattenimento: è un modo per prendere parola sui temi che riguardano tutti. Molte canzoni hanno raccontato guerre, ingiustizie, diritti negati e crisi ambientale, arrivando dove i discorsi non arrivano. MUSICA E AMBIENTE — Fin dagli anni Sessanta gli artisti denunciano cementificazione e inquinamento: 'Il ragazzo della via Gluck' di Celentano (1966) racconta il verde che sparisce sotto le case; 'Big Yellow Taxi' di Joni Mitchell (1970) e 'Mercy Mercy Me' di Marvin Gaye (1971) parlano di natura distrutta e aria avvelenata; 'Beds Are Burning' dei Midnight Oil unisce ambiente e diritti dei popoli indigeni; 'Earth Song' di Michael Jackson (1995) e 'Earth' di Lil Dicky (2019) chiedono di prendersi cura del pianeta. DIRITTI E CITTADINANZA — La musica ha accompagnato le grandi battaglie civili: i canti degli schiavi afroamericani e lo spiritual, 'Blowin' in the Wind' di Bob Dylan, 'Get Up, Stand Up' di Bob Marley, 'Respect' di Aretha Franklin, 'Imagine' di John Lennon. In Italia, i canti della Resistenza e le canzoni di De André sugli ultimi e sugli emarginati. LEGALITÀ, PACE E MEMORIA — Brani come 'La guerra di Piero' o 'Il mio nome è mai più' parlano di pace; concerti e cori sono usati per ricordare le vittime delle mafie e della Shoah. COSA POSSIAMO FARE — Ascoltare in modo critico i testi, scegliere musica legale e rispettare il diritto d'autore, partecipare a cori e gruppi come esercizio di collaborazione, usare la musica per informare e sensibilizzare la propria comunità. L'articolo 9 della Costituzione tutela il paesaggio, il patrimonio culturale e l'ambiente: anche la musica ne fa parte.

LA MUSICA DANCE — È la musica pensata per far ballare: nasce nei club e vive del rapporto fra il DJ e la pista. Non è un solo genere, ma l'incontro di tanti stili e di tante culture. LE ORIGINI — Nei primi anni Settanta la DISCO MUSIC nasce a New York dall'incontro di funk, soul, R&B e ritmi latini. Il termine discothèque (francese) indicava i locali dove si ballava con i dischi al posto dell'orchestra. Il Loft di David Mancuso, lo Studio 54 e il Paradise Garage diventano luoghi simbolo; in Italia la Baia degli Angeli, il Piper e la Capannina. COME SUONA — Ritmo in 4/4, 120-140 BPM, basso marcato e ripetitivo, hi-hat costante, loop e groove che si ripetono, sintetizzatori e campionamenti. La struttura è pensata per il mixaggio: un brano si aggancia all'altro senza interrompere il ballo. LA LINEA DEL TEMPO — Anni '70: la disco esplode (Donna Summer, Bee Gees, Chic, Village People) e nel 1977 il film 'La febbre del sabato sera' la porta nel mondo. Anni '80: si parla di DANCE, arrivano i campionatori e le drum machine (Moog e 'I Feel Love'); il DJ non è più solo esecutore, ma compone. Anni '90: nascono HOUSE, TECHNO ed EURODANCE, la cultura del remix e i rave. Dal 2000 a oggi: la EDM (Electronic Dance Music) raccoglie trance, dubstep, drum & bass, deep house e i DJ diventano star dei festival. MUSICA E INCLUSIONE — Le discoteche nascono anche come spazi di libertà e incontro fra persone di culture, origini e orientamenti diversi: la musica da ballo è festa, condivisione e rispetto. Divertirsi sì, ma in sicurezza: no a droghe, violenza e pregiudizi.